Si l’artiste est celui qui déclenche la création de l’art, le collectionneur est celui qui tisse ensemble tous ses domaines. Il n’est pas surprenant que de nombreux musées soient nés de collections privées : des mécènes renommés ont soutenu des artistes, commandé leurs œuvres, rassemblé l’art de leur époque et l’ont préservé pour l’histoire.
« Tout le monde ne sera pas emporté vers l’avenir », et les choix avisés d’un collectionneur se révèlent souvent aussi déterminants pour l’héritage d’un artiste à travers les siècles que les jugements des professionnels du marché de l’art. Au début du XXᵉ siècle, Rudolf Leopold, étudiant en ophtalmologie, a commencé à collectionner non seulement le célèbre Gustav Klimt mais aussi l’alors sous-estimé Egon Schiele. Sa vaste collection s’est finalement transformée en un bâtiment entier dans le Quartier des Musées de Vienne, et Schiele est devenu l’un des artistes les plus renommés du XXᵉ siècle.
Le collectionneur se tient à la croisée de plusieurs mondes : le domaine vibrant de l’art vivant, le processus institutionnel et le marché. Lorsque les collectionneurs se concentrent sur l’art de leur temps, ils assistent souvent de première main à la naissance de chefs-d’œuvre et à l’évolution des artistes. Il n’est pas rare que collectionneurs et artistes deviennent de proches amis.
De manière remarquable, certaines collections deviennent des catalyseurs de mouvements artistiques qui résonnent pendant des siècles. Prenons Ilya Ostroukhov, peintre paysagiste et administrateur de la Galerie Tretiakov à Moscou. Dans les années 1910, il développa une passion pour les icônes russes, acquérant 30 icônes des XVe et XVIe siècles seulement au cours des cinq premiers mois de son engouement. Avant lui, les icônes étaient principalement collectionnées par les Vieux-Croyants, mais Ostroukhov les éleva au même rang que ses contemporains européens. Sa « manie des icônes » séduisit bientôt Moscou. Nous connaissons l’influence profonde des icônes russes sur l’avant-garde russe – et l’impact de l’avant-garde sur l’art mondial. Il est fascinant d’imaginer comment l’histoire de l’art du XXᵉ siècle aurait pu se dérouler si Ostroukhov était revenu à la collecte de raretés antiquaires plutôt que d’icônes.
Les collectionneurs sauvent les artistes et les mouvements de l’oubli, et à mesure qu’une œuvre d’art gagne en reconnaissance, sa valeur s’envole. De son vivant, les tableaux de Vincent van Gogh étaient pratiquement sans valeur et invendus. C’est l’intérêt des collectionneurs américains au début du XXᵉ siècle, suivi par l’attention croissante du marché asiatique dans la seconde moitié du siècle, qui l’a élevé au statut de « valeur sûre ». En 1987, au cœur de l’essor économique japonais, ses Tournesols se sont vendus 39,9 millions de dollars chez Christie’s.
Être collectionneur semble impliquer une responsabilité immense : considérer une collection comme un investissement, rester conscient de son influence sur la vie des artistes et sur les musées futurs. Beaucoup hésitent à se définir comme tels, estimant que leurs collections manquent de gravité suffisante. Pourtant, il convient de rappeler que collectionner de l’art est, avant tout, une joie profonde, accessible à tous les budgets. Pensez à Herbert Vogel, employé des postes et ami de l’artiste alors inconnu Sol LeWitt, qui, avec un salaire modeste, rassembla 2 500 œuvres de certains des artistes les plus célébrés du XXᵉ siècle. Collectionner est une source infinie d’amitié et d’inspiration.